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Toronto-born, London-based artist Tess Parks will return with her long-awaited new album ‘And Those Who Were Seen Dancing’ on May 20th 2022 via Fuzz Club Records. Following years of international touring and a lengthy list of critically-acclaimed collaborations with Brian Jonestown Massacre’s Anton Newcombe in recent years (most recently the duo’s self-titled 2018 LP), the new album will be Parks’ first full-length solo offering since her much-loved debut album, ‘Blood Hot’, was released back in 2013 on Alan McGee’s 359 Music label.

“In my mind, this album is like hopscotch”, Parks says: “These songs were pieced together over time in London, Toronto and Los Angeles with friends and family between August 2019 and March 2021. So many other versions of these songs exist. The recording and final completion of this album took over two years and wow – the lesson I have learned the most is that words are spells. If I didn’t know it before, I know it now for sure. I only want to put good out into the universe.” A growing disillusionment with the state of the world paired with an injury that stopped Parks from being able to play guitar and piano for months meant the album was nearly shelved.

“I really felt discouraged to complete this album”, she recalls: “I stopped listening to music for honestly about a year altogether and turned to painting instead. I really had to convince myself again that it’s important to just share whatever good we can – having faith in ourselves to know that our lights can shine on and on through other people and for other people. The thought of anyone not sharing their art or being shy of anything they create seems like a real tragedy to me. Even if it’s not perfect, you’re capturing a moment.” Recorded over a two year period but with songs, lyrics and ideas dating back over a decade in some form, ‘And Those Who Were Seen Dancing’ is an album full of such moments, people and places.

It was the album’s infectious lead single ‘Happy Birthday Forever‘ – a piece of upbeat almost-gospel-infused psych pop – that encouraged Parks to finish the record. “These lyrics were written when I was living on Henshaw Street in Elephant and Castle in 2009. I think I used to play this at some of my first ever solo shows in London”, she remembers: “The song was very cleverly and surprisingly originally titled ‘Get Me Out Of Here‘ and one day in October 2020 my sister, Isabella, was driving us home from a mixing session and I saw a license plate that said ‘GMOOH’, which is how I always used to abbreviate it, so I was like, ‘Okay, I’m definitely on the right path, I must be. Gotta finish this album!’” Thankfully, Tess did exactly that – enlisting a cast of friends and family to contribute in the process.

The album was brought to life with the help of Parks’ bandmates Rian O’Grady, Ruari Meehan, Francesco Perini and Mike Sutton, and her parents also make an appearance on the album’s hazy, slow-burning opener, ‘WOW’ (the track enters with Parks’ mother playing sound-bowls and throughout we hear her father playing on their grandfather’s piano.) Although driven by a smouldering spoken-word vocal that channels the husky poetics of Patti Smith or Lydia Lunch, Parks recalls the recording process of ‘Brexit At Tiffany’s‘ as being indicative of how her words found new life with the help of her band: “We were recording at Rian’s house and the guys started playing this music which had Francesco’s Ray Mananzarek Doors’ sensibilities and Mike’s Neil Young-esque guitar, and then I started reading this poem I had written which pieces together definitions of words I found interesting and had written down. The title is thanks to Ruari who kept saying this over and over and we all thought it was the best thing we ever heard.”

Parks first started writing with Ruari Meehan during the Berlin sessions for her last album with Anton Newcombe (“we sat at a table in the studio and wrote ‘Right On‘ in about five minutes so we carried on from there when we got back to London”) and ‘Suzy & Sally’s Eternal Return‘ is the latest to come from the duo’s collaboration: “We loosely based the music off of ‘Jesus Is Waiting‘ by Al Green and I had these lyrics that I kept on coming back to from December 2012. This song is about how maybe life might actually be heaven on earth already… or hell every day, you get to decide.” For the most part, ‘And Those Who Were Seen Dancing‘ marks a lighter, more joyful departure from the hypnotic psych-rock of Parks’ work with Anton Newcombe but the snarling, overblown garage-rocker ‘Do You Pray?‘ keeps one foot very firmly in that world.

Elsewhere, ‘I See Angels‘ was “written on my way out of New York while they were de-icing the plane for the second time”, ‘We Are The Music Makers And We Are The Dreamer of Dreams‘ is an “ode to unrequited love written” and the closer ‘Saint Michael‘ began “as a short poem I wrote while I was by myself in the van in a restaurant parking lot – our tour had just ended the night before in Nantes and far away I could see Mont-Saint-Michael.” It may have been nine years since she released her first and only Tess Parks studio album (not including the Newcombe collaborations) but the songs on ‘And Those Who Were Seen Dancing‘ and the memories, people and places they bring to light show that Parks has been doing anything but rest on her laurels over the years since her debut ‘Blood Hot‘.

Taking its name from the Freidrich Nietzche quote “And those who were seen dancing were thought to be insane by those who could not hear the music”, Tess Parks has returned with a collection of sublime psychedelic pop that doesn’t just welcome you into her world with open arms but also carries the sort of optimistic, inspiring message we so desperately need in our cursed times. “That quote has really resonated with me for years”, she says: “Perception is everything. Peace is this moment without judgement. Even if this album isn’t what it could have been, it’s music to my ears… I’m dancing.” From May 20th, when ‘And Those Who Were Seen Dancing‘ will be released into the world via Fuzz Club Records and Hand Drawn Dracula, we will all be dancing right there alongside her.

“a confident, enchanting presence” – THE NEW YORK TIMES

“a meditative, drone-heavy piece of psych-pop, one that pivots between charming, almost Baroque flourishes and bleached-out desert rock” – CLASH

“droning, deeply rhythmic, slyly catchy” – STEREOGUM

“Tess Parks’ husky vocals ring through your mind long after the sound fades away” – LINE OF BEST FIT

“Equal parts Courtney Love and Hope Sandoval…” – THE GUARDIAN

“… Smoky-cool vocals” – BROOKLYN VEGAN

“Her tones sweep with a relaxing rasp that soothes the soul… darkly seductive.” – FAR OUT MAGAZINE

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MODECENTER legen mit dem neuen Album „Altes Glück“ ein dichtgewobenes, 8 Lieder umfassendes eindrucksvolles musikalisches Statement vor. Kantig, „hart“ und einnehmend zugleich, in einem post-punkigen, un-rockistisch rockenden, ass-kickendem Sinn. Mit Hits wie „Endurance Eurodance“ und 7 anderen lohnt der Besuch beim Vierer-mit-Gitarren MODECENTER auch ganz ohne Textilien-Erwerb.

„Ich hab´ die Zeit, sing die Lieder dieser Nacht bis sie widerhallen wir sind bereit lass sie kommen, lass sie kommen, schau wie sie fallen“, („Salto“)

Es ist ein neues, kein altes Glück, dass dieses 8 Song-Album der in Wien verorteten Band MODECENTER so ist, wie es ist und genauso daherkommt, wie es daherkommt. 

MODECENTER sind dabei, wie seit ihren Anfängen, ein Quartett. 2019 veröffentlichten sie ein erstes Tape, es folgten das gleichnamige Album (2021, Numavi Records) und das Mini-Album „Peace“ (2022, Rock Is Hell Records). Und sie spielten Konzerte! Wie das Bands eben so tun, außer es ist Pandemie, während derer und danach der ganzen Welt eigentlich nur mehr schwindlig im Schädel ist und alles in einer solchen Stupidität aus dem Ruder läuft, dass es einem schon eine perverse Errungenschaft erscheint, wenn a-landführende Spitzen-Politiker zweifelsohne dümmer sind als der Durchschnitt der Bevölkerung – die Intelligenz verteilt sich nach unten um, die Kohle geht nach oben, aber wer will schon immer dem money followen?

„Schneller Rat ist gut erteilt ich teile dich und mich in zwei ich hab keine Geduld ich hatte nie Geduld ich empfinde keine Schuld mehr“ singt David Bauer, der auch Gitarre spielt in „Endurance Eurodance“, einem ersten Schlüssel-Stück des Albums, oder dem ersten Song desselben, der formerly als „Single“ verhandelt worden wäre. Am Schlagzeug wie gehabt Hannes Gruber, am Bass Arthur Darnhofer-Demàr, eine weitere Gitarre ist in den kundigen Händen von Matea. 

Das so seit seinen Anfängen personell leicht veränderte Modecenter ist dabei, mit Verlaub, als Band tight as fuck. Bewahrt zum einen die Kontinuität, die Menschen ob ihrer postpunkig/post(hard)core-igen musikalischen Verdichtungs-Energie bei ihrem umjubelten (doch!) Auftauchen freudig mit lachender Faust jauchzen ließ, ein Sound, ein Stil, karg, aber reich, und bewegt sich zugleich in den 8 neuen Stücken weiter, wohin auch immer. 

Der Sound von „Altes Glück“, mit Werner Thenmayer im Elephant West Studio erarbeitet, ist dabei einfach eine Wucht, so muss und so soll so etwas! 

Ein Album so nennen, wie dieses Album heißt und dann „New Desire“ als Opener setzen, lässt darauf schließen, dass sich Modecenter schon etwas denken. Die Lyrics, Englisch und Deutsch, mit mehr zitier/tätowier-würdigen Sätzen und un-geschissenen Gedanken als im durchschnittlichen heimischen Roman-Debüt oder Kabarett-Programm, erhärten diese These. 

Der von seiner eigenen Meinung so eingenommene zeitgenössische Erklärbär ist aber kein Lieblingstier der Menschen von Modecenter, im krassen Gegenteil, solche Viecherln kommen ihnen nicht in den Proberaum, ins Studio oder gar auf die Bühne. Mit ihrer Musik nichts explizit zu „wollen“ macht diese so stark, treffend, erschütternd, (und ja, auch zart, die wirklich geile Power-Rock-Ballade V. 2024 ist immer näher, als wir zu denken wagen), dass einem ob der qualitativen Dichte von „Altes Glück“ einmal noch der Musikschreib-Klassiker von „all killer no filler“ aus den Tippfingern muss. So schlüssig sind zu den schon genannten Liedern „Dreck“, „Kalter Rauch“, „Zwischen den Zeilen“, „Tremor“ und „The Days“ als Ganzes, so viel geben diese Lieder jeweils für sich her und ab. 

Der Release-Date des Albums lässt einem keine Wahl: Making Mai a Freudenmonat again!

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So wenig petra und der wolfs Mitglieder auf Individualismus drängen, so sehr sticht das Duo doch heraus, und das unabhängig der Perspektive der Betrachtenden. Vielleicht sind es scheinbare Wid- ersprüchlichkeiten, möglicherweise aber auch trendunabhängiges Produzieren und Performen – „kompromissbefreit“ wie es ein Journalist einmal ausdrückte – die diese Band nebst ihrer Musik so interessant machen.

Es liegt am eigenwilligen, breitspektrigen Gitarrenspiel von Petra Schrenzer, und am multidimensionalen Schlagzeugen von Aurora Hackl Timón, dazu kommen emotionaler Gesang und ein mit (dem Instrument immanenten) Konventionen brechendes Saxophon.

Die zwei Musikerinnen bewegen sich mit einer entspannten Selbstverständlichkeit in der Männerdomäne Rock, als Profis zwischen subventionierter „Hoch“kultur und margin- alisiertem Underground.

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Call me by my name, call me „HÖLLENJUNGE“
 
Lob und Kritik, Kritik und Lob. Jeder braucht’s und keiner mag’s – und doch bringt uns beides im Leben weiter. Nehmt es an, stay HÖLLENJUNGE! 

„Höllenjunge“ klingt einfach nach Dÿse! …und Dÿse, das sind Jarii van Gohl und Andrej Dietrich. Mit ihrer Gründungsgeschichte sollte man sich nicht lange aufhalten, im Zweifel stimmt sie ohnehin nicht. Selbst auf Wikipedia finden sich eher fragwürdige Legenden über das Kennenlernen der beiden, klingt alles mehr nach Seemannsgarn statt nach belastbaren Hard Facts. Sie hätten eine gute Geschichte schon immer der musikhistorischen Auskunftspflicht vorgezogen, sagt Andrej Dietrich entschuldigend. Wobei es allerdings nicht wirklich so aussieht, als täte ihm das Besonders leid. Warum sollte es auch? 

Dÿse, das ist diese Band mit dem komischen Umlaut, sie nahm in den Nuller Jahren in Jena ihren Ausgang, mittlerweile leben Andrej und Jarii in Berlin. Beschäftigt man sich mit der Musik der beiden gelangt man immer wieder an die zentralen Eckpunkte:
Haltung, Intensität, D.I.Y., Live, Energie.

Die Hauptrolle im Video zu „Höllenjunge“, gedreht vom Kameramann Palermo (u.a. Odd Couple, Pabst und Die Nerven), spielt übrigens Lea. Sie skatet seit fünf Jahren und für sie geht es „… beim skaten nicht darum wer du bist, woher du kommst oder welches Geschlecht du hast. Es geht auch nicht um Competition. Come as you are ist das Motto! Durch die Straßen zu Pushen und somit Frauen und FLINTA Personen sichtbar zu machen, gibt mir ein Gefühl von Empowerment.“

Stay HÖLLENJUNGE!

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Gib mir Zeit, im Sommer ohne google.
Zum Ausdruck kommt, was zu kurz kommt.
Drei Instrumente und eine Geschichte reichen aus um mitzunehmen.
Es reicht zu streicheln oder zu scherzen wenn es darum geht zu berühren. Dreimalumalpha will aber anfassen und schütteln.
Ein bisschen zumindest.
So, dass man nicht vergessen will wenn man wieder geht, und nicht so, dass man sich leicht abklopfen kann.
Es ist wie mit einem Bett an einer Straße, das bequemste Bett, allerdings unverrückbar und nur an dieser Stelle zu benutzen.
Sie können sich zurücklehnen, sollten aber nicht vergessen.

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Bist du bereit, dich von der exzessiven Kraft der hottesten Rockband Wiens mitreißen zu lassen? BAITS liefern eine Flut von Hooks ab und schaffen so ein Hörerlebnis, das das Publikum begeistert und Lust auf mehr macht.

Getragen vom dynamischen, emotionsgeladenen Gesang von Sonja Maier ist der Sound von BAITS eine perfekte Mischung aus Wut und Melancholie, nahtlos ergänzt durch die wilden (und manchmal zart verspielten) Gitarrenparts von Christopher Herndler. Die Rhythmusabteilung, die vom kraftvollen Duo Fazo und Bassist Bernd Faszl vervollständigt wird, pulsiert mit roher Energie, die an ikonische Bands wie die Pixies, Breeders und einen Hauch von Jay Reatard erinnert.

BAITS fangen aber nicht nur die schweißtreibende, ungezügelte Energie von 90er Indie Bands ein, sondern wagen sich auch furchtlos in die Welt des Pop und schaffen so einen einzigartigen Sound, der ebenso ansteckend wie rebellisch ist. Ihre letzten Singles, darunter „Who are You“, „Stuck AF“ und „Craves“ haben sich begehrte Plätze in den redaktionellen Playlists von Spotify gesichert, sind zu festen Bestandteilen des österreichischen FM4-Radios geworden und mehrere Wochen in den österreichischen Indie-Charts vertreten gewesen.

Als Live-Act sind BAITS eine unbestreitbare Naturgewalt, die man sich nicht entgehen lassen sollte, was sie in den letzten Jahren bei über 100 Live-Gigs unter Beweis gestellt haben. Ihr 2. Album, das im März 2024 bei Noise Appeal Records erscheinen wird, verspricht eine klangliche Reise, die die Grenzen des Pop mit einer großzügigen Portion Rotz und Dreck verschiebt.

ENGLISH:

Get ready to be swept away by the electric force of Vienna’s hottest rock band – BAITS, as they deliver a relentless barrage of hook after hook, creating a sonic experience that leaves audiences exhilarated and craving for more.

Fronted by the dynamic and emotionally charged vocals of Sonja Maier, BAITS‘ sound is a perfect marriage of fury and melancholy, seamlessly complemented by the wild (and sometimes delicately playful) guitar solos of Christopher Herndler. The rhythm section, anchored by the powerhouse duo of Fazo and bassist Bernd Faszl, pulsates with a raw energy reminiscent of iconic bands like the Pixies, Breeders, and a hint of Jay Reatard. 

BAITS not only captures the sweaty, unbridled energy of 90s indie bands but fearlessly ventures into the realm of pop, creating a unique aural tapestry that is as infectious as it is rebellious. Their latest singles, including „Who are You,“ „Stuck AF,“ and „Craves,“ have earned coveted spots on Spotify editorial playlists, have become staples on Austria’s FM4 radio and have been in the Austrian Indie Charts for several weeks.

As a live act, BAITS is an undeniable force of nature, an experience not to be missed, which they have shown at 100+ live gigs over the last few years. Their upcoming record, set to drop in March 2024 on Noise Appeal Records, promises to be a sonic journey that pushes the boundaries of pop with a generous dose of grit, snot, and dirt.

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Am 25.01.2019 erscheint mit „Jade“ das sechste Album von Pascow. Mit dieser Platte verabschiedet sich die Band von Codierung und „kryptischer Scheiße“. Keine Pascow Platte zuvor war inhaltlich so greifbar und fokussiert. Hier verlässt die Band ein Genre, das sie in den letzten Jahren selbst mitgeprägt hatte.

Im Oktober 2021 kommen Pascow nun endlich für 2 erste Österreich-Shows seit veröffentlichung von „Jade“.

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Als Geheimtipp machten sie ihrem Namen alle Ehre und haben heute einen regelrechten Kultstatus erreicht.Ihr psychedelischer Post-Punk lässt die Liebe zu Joy Division, The Cure oder Velvet Underground erkennen, klingt aber doch ganz eigen. Die Liveshows von The Underground Youth strotzen vor schweißtreibender Leidenschaft und erzeugen einen geradezu hypnotischen Sog.

Seitdem Paul Plut 2016 mit dem Todesmarsch “Lärche” das erste Lebenszeichen als Solokünstler von sich gab, hat sich die Düsternis beharrlich an seine Fersen geheftet. Widmete er sich auf den vergangenen zwei Alben dem Tod (“Lieder vom Tanzen und Sterben”) und seinem steirischen Heimatort (“Ramsau am Dachstein nach der Apokalypse”), so ist das Jenseits diesmal anderswo zu finden.

In seinem “Herbarium” (2024) versammelt Paul Plut zehn Lieder und Fragmente, die um den menschengemachten Schrecken, die kollektive Erschütterung und die leise Vorahnung kreisen, dass gerade etwas Großes in sich zusammenbricht, das nicht mehr so leicht aufzubauen sein wird.

PRESSEN, VERBINDEN, KONSERVIEREN

Erstmals überrascht Plut auf seinem neuen Tonträger mit Vertonungen anderer Künstler:innen (Christine Nöstlinger, Daniel Johnston, Garish, Hildegard Knef), sprachlicher Variationen (neben Dialekt auch Standard-Deutsch und Englisch) und neuen Stimmen (Barca Baxant, Nastasja Ronck, Violetta Parisini). Von den Vorgänger-Alben sind die Hörer:innen bereits auf eine große stilistische Bandbreite geeicht. Auch diesmal changiert Plut zwischen Tradition und Experiment (Salz, Samael), zwischen Harmonie und Härte (Wo einmal nichts war, Draußen fischt im Eis). Das mit dem Beginn des Ukraine-Kriegs datierte Stück “Zur gleichen Zeit” bildet den Kern des Albums, in dessen Magnetfeld sich die anderen Lieder bewegen.

Dem durchdringenden Gefühl der Zerrüttung stellt Paul Plut sein “Herbarium” in den Weg; hier wird konserviert, zusammengehalten und verbunden. Jedem Tonträger (Kassette und digital) wird ein Buch beigelegt, in dem sich die Lieder zwischen gepressten Pflanzen, Texte zum Schaffensprozess, abgelichteten Objekte, Inspirationen und versteckte Tracks einreihen.

ÜBER DEN KÜNSTLER

Paul Plut, geboren 1988 in Ramsau am Dachstein, ist autodidakter Musiker, Komponist und Texter. Er ist Teil der Bands Viech und Marta, komponiert für Film und Theater. Als Solokünstler reüssierte er mit den Alben „Lieder vom Tanzen und Sterben” (2017) und „Ramsau am Dachstein nach der Apokalypse” (2021). In Form eines monatlichen Newsletters teilt Plut Liner Notes, unveröffentlichte Demos und verwandtes Material mit seinen Hörer:innen.

Alexander Lausch (Gesang, Gitarre), Arnold Zanon (Bass) und Matthias Ledwinka (Schlagzeug) zelebrieren als Lausch den Alternative Sound auf unkonventionelle und zugleich eingängige Art und Weise. Die Songs des nach seinem Frontman benannten Trios, das seit 2007fünf Studioalben und eine Live-EP veröffentlicht hat, vereinen Elemente des klassischen 90s Rock, Post Rock und Progressive und lassen aufgrund ihrer Vielseitigkeit Vergleiche mit den sphärischen Instrumentalwerken von Long Distance Calling und dem hymnischen Rocksound von Biffy Clyro zu. Kantige Riffs und schwere Hooks alternieren mit melodiöser Fragilität, klangliche Dichte wird von Reduktion abgelöst und Komplexität und technische Experimentierfreude harmonieren mit Geradlinigkeit.